Filtrer
Rayons
Prix
Généralités sur l'art
-
"Art Dégénéré", le procès de l'art moderne sous la nazisme
Collectif
- Rmn Éditions
- 11 Février 2025
- 9782711881345
L'exposition de propagande Entartete Kunst, organisée à Munich en 1937, rassemblait plus de 600 oeuvres des avant-gardes artistiques dans une scénographie volontairement dégradante, dans le sillage de la confiscation de plus de 20.000 oeuvres d'art jugées dégénérées, parmi lesquelles celles de Chagall, Van Gogh ou Picasso. Le commerce de ces oeuvres spoliées est notamment abordé.
-
L'art est dans la rue : Catalogue d'exposition
Collectif
- BNF Éditions
- Beaux Livres Bnf
- 13 Mars 2025
- 9782717729658
À travers des oeuvres exceptionnelles de Toulouse-Lautrec, Chéret, Mucha ou encore Steinlen et des objets issus de cette époque, L'art est dans la rue révèle les multiples facettes de l'affiche, de la publicité à la propagande politique, accédant bientôt au rang d'oeuvre d'art.
Cet ouvrage explore l'essor spectaculaire de l'affiche illustrée à Paris durant la seconde moitié du XIXe siècle. Paris devient alors une gigantesque galerie à ciel ouvert, captant l'attention des passants et investissant tous les espaces urbains : murs, kiosques, colonnes Morris, jusqu'aux corps humains transformés en hommes-sandwichs. La rue devient à la fois un lieu d'expression politique, de revendication sociale et de consommation de masse. L'affiche, véritable art populaire, s'impose comme le reflet d'une époque effervescente, entre progrès techniques et bouleversements sociaux, où la ville elle-même devient le support d'une forme nouvelle de communication visuelle. -
Honzo Zufu : 1 livret & 10 cartes illustrées avec enveloppes
Collectif
- Citadelles & Mazenod
- 14 Mai 2025
- 9782386110542
Pochette cartonnée
Format ferme : 116 × 165 × 15 mm
A l'intérieur :
- 12 cartes doubles
(format ferme : 105 × 148 mm, papier Arena Natural smooth 300 g),
- 12 enveloppes
(115 × 162 mm, papier Arena Natural smooth 120 g),
- un livret de 24 pages
(114 × 162 mm, impression recto / verso sur papier Arena Natural smooth 120 g, reliure pique métal) avec un texte autour de l'oeuvre, l'auteur et les le gendes de taille es des planches. -
Les vélins du Muséum national d'Histoire naturelle : 1 livret & 10 cartes illustrées avec enveloppes
Collectif
- Citadelles & Mazenod
- 14 Mai 2025
- 9782386110535
Pochette cartonne e
Format ferme : 116 × 165 × 15 mm
A l'inte rieur :
- 12 cartes doubles
(format ferme : 105 × 148 mm, papier Arena Natural smooth 300 g),
- 12 enveloppes
(115 × 162 mm, papier Arena Natural smooth 120 g),
- un livret de 24 pages
(114 × 162 mm, impression recto / verso sur papier Arena Natural smooth 120 g, reliure pique me tal) avec un texte autour de l'oeuvre, l'auteur et les le gendes de taille es des planches. -
Fille aînée d'Henri Matisse, Marguerite Duthuit-Matisse (1894-1982) était l'un des sujets de prédilection du peintre, en témoigne cet ensemble, montré pour la première fois, composé d'une centaine d'oeuvres. Elle y apparaît dans des portraits tour à tour fauves puis plus austères et géométriques. Après la mort de son père, elle s'attèle à la tâche d'établir le catalogue raisonné de ses oeuvres.
-
-
Catalogue officiel de l'exposition organisée par le musée d'Orsay du 25 mars - 27 juillet 2025, grâce au partenariat exceptionnel du Nasjonalmuseet, Oslo.
Après Edvard Munch. Un poème de vie, d'amour (2022) et Harriet Backer. La musique des couleurs (2024), le musée d'Orsay clôt une trilogie consacrée à l'art norvégien du tournant du XXe siècle avec l'exposition Christian Krohg. Le Peuple du Nord, présentée au printemps 2025. Il s'agit de la toute première rétrospective de l'artiste en dehors de la Scandinavie, qui fait suite à plusieurs expositions à Oslo et Lillehammer en 2012, puis à Copenhague en 2014. En mettant en lumière les oeuvres naturalistes et engagées de Krohg, très éloignées de celles, plus introspectives, d'Edvard Munch, le musée offre ainsi une nouvelle perspective sur l'art norvégien de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. À travers un panorama approfondi du parcours artistique de Krohg, l'exposition et le catalogue qui l'accompagne mettent en valeur sa modernité picturale et son engagement humaniste. Bohème et fervent défenseur des causes politiques et sociales de son époque, Krohg, également écrivain et journaliste, dépeint avec une profonde empathie la condition du peuple scandinave, les dangers du travail, la misère, ainsi que les injustices subies par les femmes. Munch, qui fut son élève, dira de lui qu'il était « le seul peintre capable de descendre de son trône et d'éprouver de la compassion sincère pour ses modèles ».
Organisé en quatre temps, cet ouvrage met en valeur les liens avec les artistes français que Krohg découvre lors de ses séjours parisiens - notamment Gustave Courbet, Édouard Manet et les impressionnistes. Dans sa série des marins, Krohg cherche à donner à ses oeuvres un sentiment d'immédiateté en utilisant des compositions déséquilibrées, des cadrages audacieux et des postures dynamiques. Son credo, « tout est une question de cadrage », est le fondement d'une recherche artistique d'une grande modernité. Membre de la société provocatrice de Christiania - ancien nom d'Oslo -, Krohg fait polémique et scandale auprès de la bourgeoisie et des élites artistiques, à travers ses portraits de ce milieu bohème et libre, de ces jeunes artistes, écrivains et intellectuels qui se réunissent dans les cafés de la capitale et commencent à contester la structure sociale dominante.
Un Zola norvégien ? En 1886, Krohg publie son roman Albertine, histoire d'une ouvrière violée devenue prostituée, roman que la police saisit rapidement au motif qu'il porte atteinte aux bonnes moeurs. Malgré les controverses, Krohg défend sa liberté d'expression contre la censure. Il réalise alors son tableau le plus important, la grande toile Albertine tirée de son roman, poussant la provocation jusqu'à engager des prostituées comme modèles. Peu d'oeuvres d'art norvégiennes ont suscité un débat aussi intense, par la mise en lumière d'une facette particulièrement sombre de la société norvégienne. D'autres grands tableaux naturalistes et engagés, tels La Lutte pour la survie, témoignent de l'attention que porte l'artiste aux membres les plus vulnérables de la société. Dans cette perspective, l'exposition et son catalogue explorent les scènes de famille, à travers des toiles qui révèlent l'intimité de l'artiste et témoignent de son humanité. L'empathie, comme l'a dit Munch, est au coeur de son travail. Par elle, il cherche à capter l'attention du spectateur et à « oeuvrer au progrès humain ». -
Nouv.
Niki de Saint Phalle : Les années 1980 et 1990 ; L'art en liberté
Collectif
- Gallimard
- Livres D'Art
- 5 Juin 2025
- 9782073113931
Célébrée dès les années 1960 pour ses emblématiques Nanas et ses peintures de Tirs, l'artiste franco-américaine Niki de Saint Phalle (1930-2002) poursuit dans les années 1980 et 1990 un parcours marqué par une liberté, une indépendance, une diversité d'oeuvres et un engagement exemplaires. Ces deux décennies voient l'aboutissement du monumental Jardin des Tarots, en Italie, à la fois lieu d'art et de vie. La rencontre directe avec le public, hors des lieux d'exposition traditionnels, intéresse particulièrement l'artiste, qui imagine des oeuvres pour l'espace public tout en cherchant à faire entrer l'art chez chacun à travers la création de mobilier, de bijoux ou encore de parfums. Ce modèle d'entrepreneuriat novateur lui permet d'être son propre mécène pour le chantier du Jardin des Tarots. Elle qui avait très tôt développé une conviction féministe continue son combat pour les droits des femmes. Elle défend également les malades du sida, la représentation noire, ainsi que la cause animale et la lutte contre le réchauffement climatique, en écoféministe avant l'heure. Avec la liberté de parole qui la caractérise, elle se consacre aussi à l'écriture. Malgré les difficultés, son engagement sans faille s'affirme résolument sous l'angle de la liberté et de la joie.
-
Entièrement conçu par Matisse à la demande de l'éditeur Tériade qui souhaitait publier un « manuscrit à peinture moderne », le livre Jazz est le fruit d'une période de grande introspection et de renouveau. Alors en convalescence, Matisse développe une technique unique de gouaches découpées, transformant ses limitations physiques en une nouvelle forme d'expression artistique. Chaque image de Jazz est une explosion de couleurs vives et de formes audacieuses. De cette grande pureté plastique émerge une monumentalité inédite : « Découper à vif dans la couleur me rappelle la taille directe des sculpteurs. Ce livre a été conçu dans cet esprit. »
Jazz est composé de 20 planches de papiers découpés, accompagnées de textes poétiques écrits par Matisse lui-même. Le thème du jazz est particulièrement accordé au caractère vif et syncopé des découpages. Les planches suivent un fil thématique que l'artiste décrit comme « les cristallisations de souvenirs de cirque, de contes populaires ou de voyages » et s'accordent grâce à une grande cohérence esthétique.
Matisse décide de rédiger lui-même le texte qu'il recopie au pinceau et à l'encre de Chine. « J'ai rempli, dit-il, les pages séparant mes planches de couleurs par des choses sans importance - qu'on lira ou qu'on ne lira pas - mais qu'on verra et c'est tout ce que je désire. ». Loin d'être sans importance, ces notes de travail offrent un aperçu exceptionnel de l'écriture, de l'esprit et des émotions de Matisse dans son art. En cherchant une harmonie visuelle globale, il trouve avec l'écriture manuscrite et les papiers découpés un accord dans la simplicité, l'arabesque et le caractère manuel.
Avec Jazz, Matisse réinvente la manière dont les images et les mots peuvent interagir, créant une expérience visuelle et littéraire immersive et un chef d'oeuvre du livre d'artiste et de l'art moderne. Le livre devint ainsi une oeuvre d'art en soi, capable de capturer l'essence de la créativité et de l'innovation de l'un des plus grands artistes du XXe siècle.
Extrait du texte
Il ne me reste donc qu'à rapporter des remarques, des notes prises au cours de mon existence de peintre. Je demande pour elles, à ceux qui auront la patience de les lire, l'indulgence que l'on accorde en général aux écrits des peintres.
Le caractère d'un visage dessiné ne dépend pas de ses diverses proportions mais d'une lumière spirituelle qu'il reflète. Si bien que deux dessins du même visage peuvent représenter le même caractère bien que les proportions des visages de ces deux dessins soient différentes. Dans un figuier aucune feuille n'est pareille à une autre ; elles sont toutes différentes de formes ; cependant chacune crie : figuier.
Si j'ai confiance en ma main qui dessine, c'est que pendant que je l'habituais à me servir, je me suis efforcé à ne jamais lui laisser prendre le pas sur mon sentiment. Je sens très bien, lorsqu'elle paraphrase, s'il y a désaccord entre nous deux : entre elle et le je ne sais quoi en moi qui paraît lui être soumis. La main n'est que le prolongement de la sensibilité et de l'intelligence ; Plus elle est souple, plus elle est obéissante. Il ne faut pas que la servante devienne maîtresse. -
Jackson Pollock : Les premières années
Collectif
- Flammarion
- Catalogue D'exposition
- 30 Octobre 2024
- 9782080467287
Pour la première fois en France depuis la rétrospective que le Musée National d'Art Moderne avait consacré au peintre en 1982, l'exposition du Musée national Picasso-Paris revient sur les premières années de Jackson Pollock (1912-1956) : depuis 1938, date de ses premières oeuvres marquées par l'influence des muralistes mexicains, jusqu'en 1947 lorsque Pollock réalise ses premiers drippings. Peu exposé pour lui-même, le corpus de ces années charnières navigue entre références figuratives et recherches formelles abstraites. Il témoigne des diverses sources qui nourrissent les recherches du jeune artiste, croisant à l'influence des arts amérindiens celle des avant-gardes européennes, au sein desquelles Pablo Picasso figure en bonne place.
-
Nouv.
Haïkus d'Argent : L'Asie photographié par Micahel Kenna
Collectif
- Skira Paris
- Catalogues D'Exposition
- 4 Juin 2025
- 9782370742759
C'est en 1987 que Michael Kenna voyage pour la première fois au Japon et depuis, l'Asie n'a cessé d'habiter son regard.
-
Tom Wesselmann (1931-2004) est considéré comme l'un des plus importants artistes Pop de sa génération, avec une production qui s'étend sur presque cinq décennies, des années 1950 aux années 2000. Né à Cincinnati, l'artiste fera de New York son lieu de vie et de création, et il y restera jusqu'à son décès, le 17 décembre 2004. Catalogue de l'exposition présentées à la Fondation Louis Vuitton, l'ouvrage explore toutes les périodes créatives de l'artiste et retrace les grandes lignes du mouvement Pop Art. Les oeuvres de Wesselmann seront entourées des plus grands noms du Pop Art et de ses héritiers, révélant alors les influences passées, ainsi que l'impact de l'artiste sur les futures générations. De Marcel Duchamp, à Ai Weiwei, en passant par Kurt Schwitters, Hannah Hoch, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Kaws, Jeff Koons, ou encore Martial Raysse, Meret Oppenheim, Tomokazu Matsuyama, Derrick Adams, Mickalene Thomas, c'est tout un pan de l'histoire de l'art contemporain qui prend forme dans un ouvrage sans précédent. Catalogue de l'exposition événement «Pop Forever. Tom Wesselmann» présentée à la Fondation Louis Vuitton du 16 octobre 2024 au 3 mars 2025.
-
Harriet Backer au Musée d'Orsay
Collectif
- Flammarion
- Catalogue D'exposition
- 25 Septembre 2024
- 9782080453389
Méconnue en dehors des frontières de son pays, Harriet Backer (1845-1932) est pourtant la peintre femme la plus renommée en Norvège à la fin du XIX? siècle. Après une formation à Munich et à Paris, puisant son inspiration dans le courant naturaliste et dans les innovations de l'impressionnisme, cette artiste cosmopolite a su créer une oeuvre très personnelle. Harriet Backer s'empare de la sphère privée et la décline tout au long de sa carrière. Les intérieurs paysans en Bretagne et en Norvège, les pièces du quotidien, les salons-ateliers des logements parisiens des artistes de son réseau scandinave ou les églises typiques norvégiennes deviennent ses motifs de prédilection. La musique tient également une place essentielle dans la vie de Backer, dont la soeur Agathe, compositrice de renom, a fortement influencé l'oeuvre, comme si le piano et le pinceau vibraient à l'unisson, emportés dans un même élan. Cette première monographie française consacrée à l'artiste éclaire les liens privilégiés entretenus entre les peintres norvégiens et les avant-gardes parisiennes, met en lumière la trajectoire d'une femme volontaire et dévoile sa touche singulière à la fois libre et réfléchie, et son utilisation magistrale de la couleur.
-
« Comme importance c'est la Méditerranée. Moi qui ne la connaissais pas, qui suis un homme du Nord, c'est la Méditerranée qui m'a le plus frappé. »
Henri Matisse
La Méditerranée a exercé sur Matisse une fascination continue de sa première visite de la Corse en 1898 à sa fréquentation ininterrompue de Nice entre 1917 et 1954, en passant par de nombreux voyages à la découverte de l'Algérie, de l'Espagne, de l'Italie et, bien sûr, du Maroc.
De l'aveu même de Matisse, le bassin méditerranéen, baigné d'une lumière qui l'émerveille, est déterminant pour son oeuvre, tant dans l'expérimentation d'un nouveau langage que cet environnement lui permet de développer que dans la tradition picturale à laquelle il se rattache ; bien plus encore, dans la médiation qu'il lui offre avec l'Orient et les cultures anciennes.
En effet, Matisse, qui cherche à exprimer sa perception personnelle du paysage, entretient un rapport conceptuel avec la mer et avec la Méditerranée en particulier : une mer constituée d'espaces vécus, sensibles, rêvés ou fantasmés. Cette « machine à fabriquer de la civilisation », comme l'appelle Paul Valéry (premier directeur du Centre universitaire méditerranéen créé à Nice en 1933), devient, pour le peintre, le lieu d'intenses recherches chromatiques et plastiques, celui de la découverte de nouveaux motifs. Elle est surtout, au-delà des évidences et des lieux communs, « un très vieux carrefour » dont Matisse a été un témoin et un acteur, où - selon les termes de Fernand Braudel - « tout a conflué [...] hommes, bêtes de charge, voitures, marchandises, navires, idées, religions, arts de vivre ».
Cette exposition a pour cadre la Biennale des Arts de Nice qui s'inscrit dans l'organisation de la « Conférence des Nations unies sur l'Océan » (UNOC) à Nice en juin 2025. -
S'habiller en artiste : L'artiste et le vêtement
Collectifs
- Gallimard
- Livres D'Art
- 3 Avril 2025
- 9782073107848
Les toques et turbans de Rembrandt, les foulards d'Élisabeth Vigée Le Brun, George Sand en costume masculin, le pantalon de Rosa Bonheur, la robe de chambre de Balzac par Rodin, Marcel Duchamp en Rrose Sélavy, les Robes simultanées de Sonia Delaunay, la Robe serpent de Niki de Saint Phalle ou encore la perruque d'Andy Warhol... L'habit ferait-il l'artiste ? Dans une exploration inédite du vêtement d'artiste de la Renaissance à nos jours, cet ouvrage présente plus de deux cents oeuvres - peintures, sculptures mais aussi vêtements, créations de haute couture, photographies et performances - et livre une autre manière de tisser ensemble histoire de la mode et histoire de l'art.
-
Murmure street : L'art d'être engagé
Collectif
- Alternatives
- Arts Urbains
- 10 Avril 2025
- 9782073110640
Paul Ressencourt et Simon Roché se sont rencontrés il y a quinze ans lors de leurs études à l'École des Beaux-Arts de Caen. Depuis, animés par la même passion pour le dessin et le street art, ils interviennent ensemble dans l'espace public en recouvrant les murs de nos villes de leurs collages, fresques et expositions éphémères sous le nom de Murmure Street. Par ailleurs, leurs oeuvres sur toiles ont séduit de nombreuses galeries et collectionneurs. Volontairement engagé, le duo explore de façon ludique, onirique ou poétique les thématiques fortes qui agitent nos sociétés, afin de partager sa vision du monde.
-
Catalogue d'une exposition consacrée à Charles Frederick Worth, fondateur d'une maison de haute couture rapidement devenue un symbole du luxe parisien et figure incontournable de la mode. Plus de 400 oeuvres (peintures, vêtements, objets et accessoires) sont ainsi présentées.
-
Robert Doisneau : Instants donnés au musée Maillol
Collectif
- Beaux Arts Éditions
- Album Exposition
- 23 Avril 2025
- 9791020409881
Vous pouvez partager un article en cliquant sur les icônes de partage présentes sur celui-ci. La reproduction totale ou partielle d'un article publié sur BeauxArts.com, sans l'autorisation écrite et préalable de Beaux Arts & Cie, est strictement interdite. Pour plus d'informations, consultez nos mentions légales.
De Robert Doisneau (1912-1994), on connaît surtout Le Baiser de l'Hôtel de Ville et ses Poulbots en culotte courte. Mais Doisneau c'est aussi des photos de mode avec le magazine Vogue, des pubs, des portraits d'artistes dans leur atelier - Picasso, César, Giacometti, Braque, Vasarely, etc. -, un reportage photo dans les banlieues parisiennes, qui se concrétisa par la publication d'un livre, dont Blaise Cendrars signera les textes... ou toutes ces photos prises au hasard des rues, dans ces territoires ouvriers qu'il affectionnait tant. Il portait un regard souvent ludique, enfantin, une vision sans concession pour un monde dur et injuste. Le musée Maillol présente plus de 300 photographies, réalisées entre les années 1930 et les années 1980, dans ce qui sera la première rétrospective du photographe à Paris depuis près de 20 ans. 50 ans d'observation et d'exploration, 50 ans de vie et de carrière au service de l'art. Un parcours intime pour montrer les diverses facettes d'une oeuvre complexe et majeure au regard poétique.
Beaux Arts Éditions revient sur la vie de Doisneau, propose une nouvelle lecture de son oeuvre montrant ainsi l'originalité du photographe et son vocabulaire plastique montrant le monde tel qu'il est.
Exposition au musée Maillol,
du 17 avril au 12 octobre 2025 -
Eugène Boudin, le père de l'Impressionnisme : Une collection particulière
Collectif
- In Fine éditions d'art
- 16 Avril 2025
- 9782382032190
Le musée Marmottan Monet présentera du 9 avril au 31 août 2025 une exposition en l'honneur d'Eugène Boudin (1824-1898), « Eugène Boudin, le père de l'impressionnisme : une collection particulière», rendue possible par des prêts exceptionnels venant de la remarquable collection de Yann Guyonvarc'h. La collection d'oeuvres du peintre Eugène Boudin (1824 - 1898) réunie par le mathématicien Yann Guyonvarc'h est exceptionnelle, à la fois par le nombre et par la cohérence. Des débuts jusqu'aux oeuvres ultimes, toutes les facettes de la production de l'artiste sont représentées : marines, scènes de plages ou de la vie quotidienne, exécutées de la Normandie à Venise, en passant par Bordeaux, la Bretagne, les Pays-Bas ou le Midi, qu'il s'agisse d'esquisses rapides, d'oeuvres ambitieuses destinées au Salon ou de tableaux « finis » pour collectionneurs. Au nombre de ces collectionneurs, le pianiste Charles de Bériot (1833 - 1914, auquel Ravel dédiera la « Rhapsodie espagnole »), le vaudevilliste Georges Feydeau (1862 - 1921), l'acteur Coquelin aîné (1841 - 1909, créateur, notamment, du « Cyrano de Bergerac » de Rostand) ou encore Ernest Hoschedé (1837 - 1891, l'acquéreur d'« Impression, soleil levant »).
Les peintures, aquarelles, pastels et dessins présentés ne l'ont été que très exceptionnellement, voire jamais.
La formule énoncée par Boudin, « trois coups de pinceaux d'après nature valent mieux que deux jours de travail au chevalet », est restée justement fameuse. L'artiste n'en a pas moins toujours énormément dessiné. Ces dessins étaient classés et consultés comme aide-mémoires lorsque, dans son atelier parisien, Boudin finissait les peintures ébauchées sur le motif. L'artiste lui-même a mentionné cette méthode de travail, qu'aucune exposition n'a, jusqu'à présent, mise en lumière de manière systématique.
A la fin de sa vie, Claude Monet déclarera, « je l'ai dit et je le répète : je dois tout à Boudin ». Le musée Marmottan-Monet est le lieu privilégié pour évoquer, grâce à des oeuvres provenant du legs Monet, les relations entre les deux artistes. -
Nouv.
Le nouveau titre de la nouvelle collection
Paroles d'artistes au pluriel, Paroles d'artistes Art brut
paraît à l'occasion de l'exposition d'art brut du 6 juin au
21 septembre au Grand Palais en partenariat avec le
Centre Pompidou et mettant en lumière plus de 300
oeuvres issues de la donation de Bruno Decharme.
Avec 54 reproductions d'oeuvres et des citations
d'artistes, cet ouvrage offre un parcours qui ne laisse pas
indemne. L'art brut interroge la définition de l'art, ses
liens avec la culture et plus largement avec la société et
ses marges. Ce livre s'adresse aux esprits frondeurs. -
David Hockney à la Fondation Louis Vuitton
Collectif
- Beaux Arts Éditions
- Album Exposition
- 23 Avril 2025
- 9791020409744
Né en 1937 à Bradford, au Royaume-Uni, David
Hockney produit depuis les années 1950 une oeuvre
solaire et hédoniste à la croisée du pop art et de
l'hyperréalisme. Dessinateur, graveur, décorateur,
photographe et théoricien de l'art... il est aujourd'hui
l'un des plus grands artistes anglais contemporains.
L'exposition rétrospective que la Fondation Louis
Vuitton consacre à l'oeuvre de David Hockney célèbre
un artiste qui n'aura cessé de remettre en question
son style et sa technique, de donner une forme
aimable à ses recherches appliquées à l'histoire des
images, aux technologies. En effet, l'artiste anglais
puise son inspiration aussi bien chez Vermeer, Fra
Angelico que Matisse ou Picasso. Intéressé par tous
les procédés de fabrication de l'image, il n'hésite pas
à utiliser la technologie (fax, photocopieur ou iPad...)
et à jouer de la perspective pour renouveler sa
peinture. « Je crois au pouvoir de l'art. [...] Je crois
également que l'art peut changer le monde. »
Beaux Arts Éditions revient sur cet artiste touche-àtout, ses thèmes, la liberté totale de son art, soutenue
par une incroyable maîtrise technique. Une édition
indispensable pour comprendre les oeuvres de l'un
des plus grands peintres du xxe
siècle. -
Connaissance des arts Hors-Série n.1114 : David Hockney 25
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 23 Avril 2025
- 9782487762237
Depuis 65 ans, David Hockney développe une oeuvre intimement liée à sa vie personnelle. Sa famille, ses amis, ses amours, les terres de son Angleterre natale comme les eaux bleues de Californie composent l'essentiel d'une iconographie aux allures de journal intime.
-
Nouv.
Connaissance des arts Hors-Série : Niki de Saint Phalle
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 4 Juin 2025
- 9782487762510
Caumont-Centre d'Art à Aix-en-Provence propose d'explorer l'oeuvre de l'artiste franco-américaine Niki de Saint Phalle (1930-2002) sous l'angle du bestiaire : serpents, araignées, oiseaux, dragons et autres monstres peuplent son univers artistique, depuis ses premières créations jusqu'à sa dernière période aux États-Unis. Le hors-série consacré à cette exposition retrace la carrière de cette artiste, qui à travers son appropriation de ces créatures, parfois maléfiques, parfois alliées, mêle symbolisme et mythes fondateurs, récit autobiographique et héritage du surréalisme.
Entretien, études d'oeuvre, infos pratiques... Ce hors-série constitue une présentation richement illustrée de l'exposition « Niki de Saint Phalle. Le bestiaire magique » à Caumont-Centre d'Art, en préparation ou en complément de votre visite ! -
Figures du fou : Du Moyen Âge aux romantiques
Collectif
- Gallimard
- Livres D'art
- 17 Octobre 2024
- 9782073073037
«Infini est le nombre des fous» Ecclésiaste, chapitre I, 15 Au commencement était «l'insensé», pauvre fou dépourvu de sagesse qui se détourne de Dieu. Relégué dans les marges, il sort de la sphère religieuse au cours du Moyen Âge pour s'épanouir dans le monde profane et devenir tour à tour celui qui divertit, met en garde, dénonce, inverse les valeurs, voire renverse l'ordre établi. Reconnaissable à ses attributs emblématiques - capuchon à oreilles d'âne ou à crête de coq, grelots, clochettes, marotte, costume bariolé -, cette figure évolue au fil des siècles et s'incarne en de multiples avatars : fous de cour, fous d'amour ou bouffons envahissent alors tout l'espace artistique occidental. Du Moyen Âge à la Renaissance et jusqu'à l'époque moderne, un parcours exceptionnel dans l'art de l'Europe du Nord réunit ici près de 350 oeuvres aussi diverses que les personnages qu'elles mettent en scène : manuscrits enluminés, livres imprimés, gravures, tapisseries, sculptures, objets précieux ou du quotidien et peintures d'illustres artistes, tels que Bosch, Bruegel, Géricault, Courbet... Sous le regard expert des plus grands spécialistes, cet ouvrage nous invite à réfléchir à ce que la norme conserve comme à ce qu'elle rejette. Il propose de reconsidérer quelques articulations majeures de l'histoire et de l'histoire de l'art, à l'aune de cette figure qui cristallise les inquiétudes et les passions. Une plongée dans un monde de folie qui nous renvoie à nous-mêmes et à notre rapport à l'Autre.
